Lei è direttore artistico della Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia dal 2012. Come sono cambiati, nel corso della sua direzione, i criteri con cui valuta i film da ammettere?
«Non direi che i criteri siano davvero cambiati. Si basano, come sempre, sulla presunta qualità artistica dei film: dico “presunta” perché siamo nel campo dell’opinabile. Di recente, però, questi criteri si sono in qualche modo allargati, includendo film che un tempo sarebbero stati considerati un cedimento alle ragioni del mercato. Penso a Joker e La forma dell’acqua, due Leoni d’oro forse inattesi».

In più interviste ha citato la “regola dei venti minuti”: se entro quel limite temporale un film non la convince, interrompe la visione e lo esclude dalla selezione. Con Sirat, poi scelto per Cannes, ha ammesso di essersi fermato troppo presto. Le è successo altre volte di rivalutare un titolo inizialmente scartato?
«Mi dispiacerebbe se questa affermazione venisse interpretata come arroganza o mancanza di rispetto. Il punto è che, oltre alla necessità di vedere tutti i film proposti alla Mostra, l’esperienza pesa molto nel valutare l’interesse di un’opera. Non è solo una questione di qualità in astratto, ma anche di opportunità e aderenza al progetto di Mostra. Quasi sempre lo si capisce abbastanza presto. È capitato di scartare anche film molto belli, ma non coerenti con ciò che ci si aspetta da Venezia. Certo, può capitare di sbagliare: è doloroso, ma inevitabile. Errare humanum est».

Lei guarda in media 4.000 film all’anno, e una parte importante riguarda il cinema italiano, anche perché oggi – parole sue – «quasi ogni film italiano tenta la carta Venezia». Da questo osservatorio, come giudica lo stato della produzione nazionale?
Da qualche anno il cinema italiano è caratterizzato da un numero eccessivo di film che il nostro mercato – piccolo, ristretto e poco aperto all’internazionale – non è in grado di assorbire, nemmeno con le piattaforme. A questa quantità strabordante corrisponde un calo della qualità media. Detto questo, si avverte uno sforzo più consapevole per rimediare a questi limiti, investendo soprattutto su quelli che gli americani chiamano production value. Va aggiunto che una quota della produzione italiana resta di assoluta eccellenza: grandi autori continuano a lavorare con ottimi risultati e c’è una nuova generazione di registi di talento a cui spesso manca solo l’occasione per farsi conoscere dal grande pubblico.

Alla sua prima edizione da direttore si erano candidati circa 900 film; negli ultimi anni si è arrivati a circa 4.500 opere. Esiste un problema oggettivo di sovrapproduzione? È una tendenza strutturale o momentanea?
«È difficile fare previsioni. I fattori che incidono sul numero dei film prodotti ogni anno sono molti: incentivi pubblici, tax credit, committenza delle piattaforme e, in prospettiva, uso dell’intelligenza artificiale, che promette di ridurre drasticamente i costi. Bisogna però considerare anche l’effetto di saturazione provocato da un numero eccessivo di prodotti non sempre adeguati. Inoltre, raccolgo sempre più spesso le preoccupazioni di produttori che lamentano una riduzione delle risorse finanziarie, soprattutto nel cinema indipendente».

L’anno scorso Una battaglia dopo l’altra, film trionfatore agli Oscar e firmato da Paul Thomas Anderson, ha scelto di non passare da alcun festival. Quest’anno Digger ha fatto la stessa scelta. Sono casi isolati o il segnale di una possibile perdita di centralità strategica dei festival?
«Nell’immediato, assisteremo probabilmente ad altre scelte compiute sulla stessa falsariga. Lo ha fatto la Disney con Disclosure Day di Spielberg, mentre la Warner aveva messo in chiaro sin da subito che The Digger di Alejandro Inarritu, con Tom Cruise, avrebbe saltato il passaggio ‘obbligato’ dei festival prima dell’uscita prevista per il 10 ottobre. È possibile che altri si adeguino, ma mi sembra piuttosto una situazione estemporanea, destinata a non durare a lungo. Quando gli Studios si renderanno conto che il valore aggiunto di una promozione festivaliera è insostituibile, con tutto il corollario di tappeti rossi, photo opportunities, interviste coi principali media internazionali, torneranno a prendere in considerazione questa possibilità. E, in ogni caso, non saranno certo alcune defezioni (per quanto significative) a mettere in discussione la centralità promozionale e strategica che i festival continueranno a mantenere per lungo tempo nei confronti della maggior parte dei film di qualità».

Uno dei tratti distintivi della sua direzione è stato appunto il rafforzamento del rapporto tra Venezia e gli Studios americani, che quest’anno sono stati però praticamente assenti. In generale, come lavora sul fronte hollywoodiano per mantenere vivo l’interesse delle major?
«Contano tre fattori collegati: la collocazione della Mostra all’inizio della nuova stagione, in coincidenza con i principali film da Oscar; la centralità ormai acquisita di Venezia, insieme a Cannes, nell’ecosistema festivaliero mondiale; e infine l’organizzazione, il prestigio e l’attrattiva internazionale della città, e la qualità della programmazione».

Il festival che lei dirige si chiama ufficialmente Mostra internazionale d’arte cinematografica. Scelte come Joker in concorso dimostrano che la distinzione tra cinema d’autore e cinema popolare è ormai superata…
«Con poche, legittime eccezioni, sempre più autori, anche con la “A” maiuscola, scelgono di misurarsi con le ragioni dell’industria che li sostiene. Chiedersi a quale pubblico ci si rivolge, quale linguaggio adottare e quali scelte estetiche compiere, non significa rinunciare alla propria autorialità o libertà creativa. La vecchia dicotomia tra cinema d’autore e cinema popolare va affrontata con criteri più moderni, adeguati alla trasformazione del cinema. Del resto non è sempre stato così anche per i grandi autori del passato? Kubrick, Fellini, Chaplin: per loro fare film d’autore o film commerciali era tutt’uno».

Dopo tanti anni di visioni e selezioni, che cos’è per lei un bel film? Che cosa rende un film davvero meritevole di essere visto?
«Un film che sorprende lo spettatore, per l’originalità dei contenuti e per la forma con cui li traduce in un registro narrativo capace di generare emozioni e stimoli intellettuali. Film che si impongono con l’evidenza dell’ignoto, che aiutano a capire qualcosa di più di sé e del mondo, che costringono a interrogarsi sul passato e sul futuro. Film più disturbanti che accondiscendenti, capaci di
chiedere uno sforzo di interpretazione e di spingerci fuori dalla comfort zone».

Ogni anno, alla presentazione della selezione ufficiale, si discute della presenza femminile dietro i film scelti. Al di là delle variazioni da un’edizione all’altra, le registe restano ancora poche. Quest’anno, poi, pochissime… Come si può lavorare per averne di più nei festival principali?
«I festival, a mio parere, hanno un obbligo vincolante: selezionare i film in base alla qualità. Possono fare ben poco, da soli, per accogliere più donne registe. Sono l’ultimo anello di una catena che comincia con la formazione e l’accesso alla professione e prosegue con scelte produttive che spesso continuano a privilegiare i colleghi maschi per pigrizia e consuetudine. Se non cambiano queste procedure, con il loro corollario di pregiudizi, ai festival non resta che fare i conti con proposte in cui le donne rappresentano in media ancora meno del 30%. E quest’anno, addirittura, la quota è scesa al 24%».

ENGLISH VERSION

You have been the artistic director of the Venice International Film Festival since 2012. How have the criteria for selecting the films to admit changed over the course of you tenure?
«I wouldn’t say that the criteria have really changed. As always, they are based on the presumed artistic quality of the films: I say “presumed” because this is a matter of opinion. Recently, however, they have broadened somewhat to include films that would once have been seen as a concession to market forces. I am thinking of Joker and The Shape of Water, two perhaps unexpected Golden Lions».

In several interviews, you have spoken of the “twenty-minute” rule: if a film doesn’t hold up after that time, you shut it down. In the case of Sirat, which you initially rejected but was then selected at Cannes, you acknowledged that stopped watching too soon. Have there been other times that you reconsidered a film you had rejected?
«I would be sorry if this statement were to be interpreted as arrogance or a lack of respect. The point is that, in addition to the need to see all the films submitted for the Festival, experience is a key factor in assessing the interest of a work. It is not just a matter of quality in the abstract, but also of appropriateness and fit with the Festival project. This is something that can generally be understood rather quickly. We have rejected films that were very impressive, but inconsistent with what is expected of Venice. Mistakes can happen of course: that’s painful, but inevitable. Errare humanum est».

You watch an average of 4000 films a year, a significant part of which involves Italian cinema, in part because – I quote – «almost every Italian film tries its luck at Venice». From this observation point, how would you assess the state of Italian production today?
«For the past few years, Italian cinema has produced an excessive number of films that our market, which is small, limited and has yet to open fully to the international stage, is unable to absorb, even with the streaming platforms. This overabundant quantity has led to a decline in average quality. That being said, one senses a more conscious effort underway to do something about these limitations, investing primarily in what Americans call production value. It should also be said that a part of Italian production remains of the highest quality: great auteurs continue to work with excellent results and there is a new generation of talented filmmakers who are often just waiting for their big break».

For your first edition as director, a total of 900 films were submitted; in recent years the number has risen to around 4500 works. Is there an objective problem of over-production? Is this a structural or a temporary trend?
«It’s hard to make predictions. There are many different factors affecting the number of films produced every year: public incentives, tax credits, commissions from the platforms, and looking ahead, the use of artificial intelligence which promises to drastically reduce costs. But we must also consider the effect of saturation caused by an excessive number of products that re not always up to standard. And I am increasingly hearing from producers worried about the reduction in financial resources, especially for independent cinema».

Last year One Battle after Another, the film by Paul Thomas Anderson that swept the Oscars, chose to skip film festivals al-together. This year, Digger has made the same choice. Are these an isolated cases or the sign that festivals are losing their strategic centrality?
«It is likely in the immediate future that we will see more decisions along these lines. Disney did the same thing for Spielberg’s Disclosure Day, while Warner quickly announced that Alejandro Inarritu’s The Digger, which stars Tom Cruise, will skip the ‘mandatory’ festival premiere before its release set for October 10th. It’s possible that others may follow this trend, but this strikes me more of an extemporaneous situation, unlikely to last long. When the Studios realise that there is no substitute for the added value of festival promotion, with its corollary of red carpets, photo opportunities and interviews with major international media, they will begin to reconsider this option. In any case, these few defections alone, no matter how significant, will not call into question the promotional and strategic centrality that festivals will continue to maintain for the majority of quality films, far into the future».

One of the distinguishing features of your tenure has been to strengthen the relationship between Venice and the American film studios, which, however, were practically absent this year. How do you approach Hollywood to keep the interest of the majors alive?
«There are three key factors, all interconnected: the Festival’s timing at the start of the new season, which coincides with the major Oscar contenders; the centrality that Venice has achieved together with Cannes in the global ecosystem of film festivals; and finally the organisation, prestige and international appeal of the city, along with the quality of the programming».

The official name of the Festival you direct can be translated literally as the International Exhibition of Cinematic Art. Do choices such as Joker in competition show that the distinction between auteur and popular cinema is no longer relevant?
«With a few legitimate exceptions, an increasing number of auteurs, even with a capital “A”, are choosing to engage with the logic of the industry that supports them. To debate who your target audience is, what anguage you should adopt and what aesthetic choices you should make does not mean giving up your authorship or creative freedom. The old dichotomy between auteur cinema and popular cinema should be considered with more modern criteria that acknowledge how cinema has changed. But hasn’t that always been the case even for the great directors of the past? Kubrick, Fellini, Chaplin: for them making an auteur film or one for the general public was one and the same».

After so many years of viewing and selecting, what makes a good film in your opinion? What makes a film truly worth watching?
«A film that surprises the viewer, for the originality of its content and the form it chooses to translate this content into a narrative that is both emotionally and intellectually stirring. Films that impress with the way they reveal the unknown, that help us understand something more of our selves and the world, that force us to interrogate the past and the future. Films that are more unsettling than pleasing, that require an effort to interpret them and push us out of our comfort zone».

Every year, at the announcement of the official selection, there is a discussion about the presence of women behind the selected films. Beyond the possible variations from one year to the next, women directors are still few and far between. What can the major festivals do to increase their presence?
«In my opinion, festivals have one binding obligation: to select films on the basis of quality. There is little that they themselves can do to include more women directors. They are the last link in a chain that begins with training and access to the profession, and continues with production decisions that often still benefit their male colleagues, out of laziness and habit. If there is no change to these processes and the biases that come with them, festivals will have no choice but to work with a pool of submissions where women still represent less than 30%; this year, the figure has even fallen to 24%».

L’intervista è stata pubblicata sull’ultimo numero di Italian Cinema